Quiero Cine

El 27 de septiembre se estrenará en España Kon-Tiki, la película noruega más cara de su cinematografía (16,2 millones de dólares) y que compitió en la pasada edición de los premios Oscar por la estatuilla en la categoría de mejor película de habla no inglesa con películas tan interesantes como Amour, Rebelde (War Wicth), No y A Royal Affair. El galardón finalmente fue a parar a las manos de Michael Haneke, como bien recordaréis.

Kon-Tiki relata del viaje del explorador e investigador Thor Heyerdahl (1914-2002) en su expedición de 1947 por el océano Pacífico desde Sudamérica hasta la Polinesia. Su objetivo: demostrar que en la antigüedad los viajes transatlánticos eran posibles. Por ello, y a pesar de que la tripulación contaba con algunos instrumentos modernos como una radio, relojes, sextantes o mapas, se construyó una embarcación siguiendo las técnicas preincaicas y se demostró que era posible arribar a las costa polinesia dejando que las corrientes marinas y el viento la guiaran hasta su destino.

Kon-Tiki

Lo más interesante de la película es que se desarrolla en tres niveles diferentes: en primer lugar tenemos el material original que sirve de base a toda la historia (el libro de Heyerdahl, el documental que se rodó y que en el 51 obtuvo el Oscar en esa categoría y las fotografías de los protagonistas reales de este periplo), por otra parte tenemos el relato dramatizado de estos hechos y por otra el propio material que ruedan los actores y que recrea el documental que Heyerdahl rodó en 16 y 35 mm. y en blanco y negro (un hermoso ejercicio de cine dentro del cine).

Destaca la actuación del protagonista (Pål Sverre Hagen), que muestra de una forma sutil pero muy efectiva la marcada personalidad del líder de la expedición y, a la postre, el hombre en el que todos creen y sobre el que recae la inmensa responsabilidad de "no estar equivocado".

También es definitivo el papel de Agnes Kittelsen como la esposa de Thor, primero compañera y cómplice y a la postre, esposa desencantada por la falta de compromiso de su marido.

Muchos también reconoceréis a Gustaf Skarsgård, de la serie Vikingos y Camino a la libertad.

Nota:8,5/10

El momento más emocionante de Kon-Tiki: el equipo de Heyerdahl navegó durante 101 días recorriendo aproximadamente 8.000 kilómetros. Un plano cenital nos muestra a los seis exploradores tumbados mirando las estrellas mientras reflexionan sobre la calma del mar, la insignificancia del ser humano y sus bagatelas y sobre la "aceptación de la propia naturaleza" de su empresa... Todo parece tan lejos... ¿Seguirá todo como lo dejaron? ¿Sus ciudades, sus familias? Recordemos que en el 47 apenas habían transcurrido dos años desde el final de la Segunda Guerra Mundial... A continuación, una de las elipsis más poéticas de los últimos tiempos, nos lleva a hasta la estratosfera para luego regresar al barco. Han pasado los días y ya están cerca de su objetivo.

Lo mejor: cómo están integrados los efectos digitales de los tiburones o Lorita en las aguas del Pacífico, las relaciones entre la tripulación y la plasmación del espíritu aventurero de Thor Heyerdahl, una personalidad que, como su propia esposa le dice antes de abandonarlo "le habría hecho flotar en las aguas". La banda sonora también es fabulosa, consiguiendo que el tramo final resulte muy emocionante.

Aquí tenéis una muestra del alucinante tratamiento digital de la cinta:

Lo peor:que se estrene tan tarde en nuestros cines y que apenas se esté promocionando. Es una película que merece atención tanto por la historia que narra como por la forma en la que se desarrolla el relato y las reflexiones a las que invita. En Noruega ha supuesto un éxito rotundo: 900.000 espectadores la han respaldado en carteleras y se encuentra entre las cinco primeras películas más vistas de toda la historia del cine noruego. Lo que es "un orgullo y un verdadero honor" para los realizadores Joachim Rønning y Espen Sandberg.

Te gustará si: te apasionan los relatos de viajes y si te emociona que los sueños se hagan realidad.

Seguro que todos conocemos a alguien tan estúpido, cretino y superficial que podría ganar un premio al "tonto del año". Pues ahora os pido que hagáis el esfuerzo de imaginar a esa persona planear un golpe para hacerse millonario robándole a alguien que, aunque con un carácter bastante insoportable, se ha hecho a sí mismo sin que nadie le regale nada. El resultado ya podéis sospecharlo.

Dolor y dinero se presenta con Daniel Lugo (Mark Wahlberg) haciendo abdominales en un soporte colgado de la pared del gimnasio donde trabaja, arengándose con toda clase de piropos de lo fuerte y lo listo que es. Pero, interrumpido por la llegada de la policía, comienza una huida para evitar su detención. Ya en estos primeros minutos de la película Michael Bay (Transformers, La isla, Armaggedon) nos regala unos momentos visuales excepcionales, acompañados de una banda sonora envolvente (gran trabajo de Steve Jablonsky) y una fotografía muy saturada, cuyo responsable es Ben Seresin (Guerra Mundial Z). Con Daniel saltando por los aires la historia retrocede en el tiempo para mostrarnos porque este personaje ha llegado a este punto.

Daniel Lugo es un patriota pero él cree que, para ser un buen americano, hay que tener un cuerpo perfecto y musculado, así como ser un triunfador y tener mucho dinero, sea como sea. Del intelecto y la cultura este pobre diablo parece no tener noticias. Pensando así no es de extrañar que su medio ambiente perfecto sea el mundo de los gimnasios de Miami, donde es entrenador personal. Allí conoce a Victor Kershaw (Tony Shalhoub), un empresario judío de orígenes colombianos hecho a sí mismo, al que entrenará para mejorar su estado físico. El problema es que es un tipo sin escrúpulos, bastante desagradable y que no para de hablar del dinero y las propiedades que tiene (impagable su frase de que "la ensalada la inventaron los pobres"). Esto hará que se encienda la bombilla de bajo consumo de Daniel, viendo en su alumno la oportunidad de ganar una fortuna.

Su plan genial será secuestrar y obligar a Victor a cederle todas sus posesiones. Pero para ejecutar su "plan maestro" necesitará la colaboración de dos compinches, Adrian Doorbal (Anthony Mackie) y Paul Doyle (Dwayne Johnson).

El primero es un afroamericano obsesionado con tener un cuerpo de culturista aunque sea a base de esteroides, quizá para compensar un complejo genital, y que tiene una bellota como cerebro; el segundo un exconvicto recuperado por Jesucristo con músculos hasta en las orejas. También serán ayudados por una espectacular striper llamada Sorina Luminita (Bar Paly), cuyo escaso entendimiento le impide ver dónde se ha metido. Ella es novia de Lugo, aunque luego será la tentación que acabe con la castidad de Doyle. Para dar una idea cómo es el personaje sólo apuntaremos que cree realmente que nuestros protagonistas son agentes secretos en una importante misión... ¡!

Como es natural, todo saldrá al contrario de lo previsto y, tras una serie de acontecimientos a cual más desternillante intentarán deshacerse de Victor en uno de los momentos más divertidos de la película: ¡qué difícil es matar a alguien! Pero el rehén sobrevive y dado su irascible carácter, lo increíble de la historia y, por qué no decirlo, sus "sospechosos" orígenes colombianos provocarán que nadie crea en su tragedia: maltratado, humillado y sin dinero. Todos, excepto el policía retirado Ed Dubois (Ed Harris) que aceptará ayudarle para atrapar a los secuestradores.

Mientras tanto Daniel, Doyle y Adrian disfrutan de su nuevo estatus hasta que la vida de desenfreno y drogas de Doyle y Sorina, y el hecho de que Adrian haya gastado todo su parte en la compra de una casa para vivir con su nueva novia Robin Peck (Rebel Wilson), obligan a planear una nueva estafa. El objetivo será el magnate del porno Frank Griga (Michael Rispeli) y, como es natural, todo saldrá mal.

Dolor y dinero es una obra atípica de Michael Bay cargada de un humor negro y ácido, llena de diálogos memorables gracias al gran guión firmado por Christopher Marcus y Stephen Macfeely (Capitán América y Crónicas de Narnia). Estamos ante una comedia, pero no nos equivoquemos, al igual que las buenas tiras cómicas de los periódicos está cargada de una crítica al culto al cuerpo, a la búsqueda por la vía rápida del triunfo, a los estereotipos raciales, a la superficialidad de la sociedad, al patriotismo banal. Es muy reseñable lo bien que están los actores principales, y la agradable sorpresa que supone reconocer que Dwayne Johnson no es sólo una masa musculosa (ya dio muestras de su buen hacer en El mensajero).

No debemos olvidar que todo lo que aparece en la película ocurrió realmente, ya que la historia está basada en los artículos escritos por el periodista Peter Collis en 1999 para el Miami New Times, hecho que Michael Bay nos recuerda varias veces durante la filmación.

Nota: 7,9/10

Lo mejor: Algunos de los diálogos entre los tres protagonistas aunque estúpidos son antológicos (leche materna, parrillas de manos, la devolución en la tienda de bricolaje...).

Lo peor:En un momento dado te deja un mal sabor de boca el haberte estado partiendo de risa de algo que ocurrió realmente.

-Juan Martos-

La gran familia española nos retrata una inusual y a la vez normal familia compuesta por un padre y sus cinco hijos, con una madre ausente y un sinfín de problemas que parece homenajear a "LA FAMILIA" (con acento italiano y uniendo pulgar con índice) esa que todos tenemos, mediante la singularidad e imprescindible presencia de cada uno de sus miembros a cada cual más peculiar.

El cuarto largo de Daniel Sánchez Arévalo (Azuloscurocasinegro, Gordos, Primos) desde el principio promete con un comienzo sobre la historia familiar narrado por el más joven de los hermanos, Efraín. Él, mediante una narración en el colegio, nos da a conocer su visión sobre cómo comienza su familia, cómo sus padres planearon tener muchos hijos, tantos como en la película: “Siete novias para siete hermanos” que era la película preferida de sus padres y la que simbolizaba su unión. Sin embargo, más tarde, cuenta cómo su madre les abandona y el niño termina declarando su amor a una niña (Carla) al término de su narración en medio de clase para poder continuar con la familia que su padre empezó.

Diez años después, nos muestran los momentos actuales en los que esos dos niños, ya con 18 años, van a casarse, casualmente el día en que la selección de fútbol masculina de España "la roja" juega la final de la copa del mundo en Sudáfrica en el 2010. El fútbol es la excusa perfecta para realizar comparaciones continuamente sobre los objetivos que se plantean en la vida sus personajes y cómo hay que luchar por conseguir lo que uno quiere sin rendirse, porque puede ser posible que se haga realidad (puede ser posible ganar). A pesar de las dificultades hacen equipo para salir adelante, al igual que en el partido.

La gran familia española

La película nos va presentando de manera divertida a sus personajes, en cuanto a los cinco hermanos, todos con nombres bíblicos y por orden alfabético, como en la película preferida de sus padres; el hermano mayor, Adán (Antonio de la Torre), separado y deprimido, con tratamiento psiquiátrico, un poco neurótico e imprevisible, con una hija pequeña loca por el fútbol, sorprende con sus reacciones y equilibra en determinadas situaciones a pesar de estar un poco desquiciado. Benjamín, el segundo hermano (interpretado magistralmente por Roberto Álamo) con una deficiencia psíquica pero que no le impide enterarse de cosas que nadie sabe y demostrar una audacia ante determinados acontecimientos. Caleb (Quim Gutiérrez), el tercer hermano, el más serio y racional de todos, es el que aparece en último lugar pero siempre está presente hasta cuando no está.

Daniel (Miquel Fernández) el cuarto hermano, preocupado por todos siempre, asumiendo un papel que él cree que le queda grande (aunque luego se demuestra que no es así) puesto que siente que tiene que tirar de la familia dadas las circunstancias de su padre (deprimido y triste desde que su mujer se fue) y sus tres hermanos mayores que por un motivo u otro no han asumido responsabilidades. Y por último Efraín, el hermano pequeño, interpretado por Patrick Criado que representa la locura y efervescencia juvenil y cuyos cómplices serán las hermanas Carla (Aranxa Martí) y Mónica (Sandra Martín) que dotarán a la historia de frescura y complicidad en momentos complicados.

Todo se desequilibra a la llegada de Caleb, dos años ausente por su trabajo como médico en África y que vuelve para asistir a la boda de Efraín. Precisamente la exnovia de Caleb, Cris (Verónica Echegui) está ahora saliendo con Daniel. Eso provoca un enfrentamiento entre los dos hermanos que, como no podía ser de otro modo, despierta una especie de te quiero-te odio que las relaciones familiares conllevan a veces y que el director plasma de manera muy creíble haciendo que nos identifiquemos con ellos.

Con estos personajes se desarrolla una trama rayando lo absurdo que sin embargo va tomando coherencia a medida que se va sabiendo más de ellos. El espectador va almacenando vivencias que pueden parecer un sin sentido hasta que ese caos va convirtiéndose en una armonía parecida a la de los atascos de tráfico. Destacan personajes secundarios como el camarero patoso al que da vida Raúl Arévalo, uno de los actores fetiche de Daniel Sánchez Arévalo, cuya presencia es breve pero intensa (el rodaje coincidió con el de Los amantes pasajeros de Almodóvar) y la prima Marisa (Alicia Rubio) que desatan las carcajadas por sus papeles estereotipados tan divertidos, sobre todo esta última.

Esta familia, con todas sus rarezas y peculiaridades nos presenta a sus miembros de una manera en la que todos tienen un lugar, todos tienen algo que aportar, todos y cada uno de ellos con sus zapatillas de colores y sus cortes de pelo raros y sus salidas de tono, son importantes. El padre (Héctor Colomé) demuestra que a pesar de no haber podido cumplir su sueño de mantenerse unido a su mujer y tener una gran familia, sí que fue capaz de transmitir a sus hijos una unión que no pudieron conseguir para ellos como pareja, y en la parte más trágica de la historia se cuenta cómo un secreto familiar es en realidad un sacrificio y un acto de amor por parte de la madre de los cinco hermanos.

El trasfondo es más profundo de lo que se puede ver a simple vista puesto que a pesar de que se resuelven las tramas, cuando termina no es el final, da la sensación que aunque finalice no se puede evitar pensar en cosas que pasarán después sin necesariamente requerir una segunda parte. El director, que hace un gran trabajo guiando a los actores es además capaz, como guionista, de contar historias redondas y transmitir el proceso de cambio que sobrellevan muchos de los personajes de esta historia y que inevitablemente podremos extrapolar a nuestras propias familias y acontecimientos vitales.

Nota: 8/10

Lo mejor:Atención también a la frescura y originalidad en la forma de rodar la historia, sobre todo a la secuencia en la que Adán, su hija y su hermano Benjamín están relatando a la vez "su versión" de un incidente y también atención al montaje de fotografías que viene a resumir la vida en común de los tres jóvenes Efraín, Carla y Mónica.

Lo peor: Habrá quien encuentre la historia un tanto caótica, pero si tienen un poco de paciencia y ya que el ritmo de la película es muy adecuado, en un momento dado verán cómo todo tiene sentido en el inteligente guión de Sánchez Arévalo, que tiene más lecturas de las que puede llegar a aparentar.

-Alicia Hernández-

Jobs cuenta cómo un grupo de amigos logra desarrollar una gran compañía empezando desde muy abajo. Se trata de un periodo de la vida de Steve Jobs, el genio de Apple, de cómo un sueño se cumple pero con mucho esfuerzo, dedicación, trabajo y sufrimiento por el camino.

El gran visionario supo ver el futuro como ninguno y revolucionó el mundo de las computadoras al saber fusionar la belleza con la funcionalidad y haber estado continuamente innovando y creando la diferencia tanto estética como tecnológica. Sobre todo como genio creativo, perfeccionista y experto en marketing que sabía transmitir en parte por su faceta, un poco egocéntrica que le recordaba continuamente que tenía que ofrecer lo que el quería para sí mismo, que como ya habréis podido imaginar era: lo mejor, lo más exclusivo, lo último.

A veces incluso resulta un poco contradictorio porque en parte se ve que lucha contra viento y marea para llegar a todos, para transmitir que todos somos dignos de un computador personal como prolongación de nosotros mismos, hasta “la abuelita de Nebraska”, pero claro no hay que olvidar que aunque su sueño era el acceso de todos a los medios, sus fines no sólo eran comerciales sino sumamente ambiciosos, faceta ésta que consigue que se distancie de muchas personas a lo largo de su vida y en ocasiones le haga sufrir, le impida disfrutar del momento y ser feliz.

Digamos que, como su mente iba tan rápido a veces se quedaba solo, como cuando tienes prisa y caminas inclinado hacia delante, esto es un peligro porque no sólo te quedas solo, sino que además con esas prisas puedes tropezar por querer correr tanto, es curioso incluso como precisamente él andaba de esa forma, parece que pensaba tal y como caminaba.

Jobs

No podemos decir que esta cinta de Joshua Michael Stern refleje la biografía completa de Jobs, hay demasiadas cosas que se echan en falta. Más bien relata un determinado momento de su vida, cómo se creó la gran compañía Apple Computer Inc. en el garaje de la casa de sus padres adoptivos y el precio que parece tener que pagar para llegar donde llegó.

Si ves la película sin saber nada de la vida de Steve Jobs, se refleja una versión un tanto descafeinada de una mente compleja que siempre buscó lo intuitivo y la sencillez a través de los ordenadores y, aunque despierta emociones, se queda un tanto en la superficie sin llegar a calar profundamente, puesto que a veces insinúa acontecimientos que no llega a explicar con detalle y que no entenderías a no ser que tuvieras información extra por otras fuentes ajenas a la película.

Parece también una película hecha para lucimiento de Aston Kutcher que, si bien físicamente lo borda, no llega a transmitir en su totalidad las frustraciones, decepciones, alegrías, tristezas, etc. que el personaje experimenta a lo largo de esa parte de su vida, tan agitada.

En ocasiones parece ser intercambiable con su personaje de Dos hombres y medio porque, aparte de la buena caracterización, resulta poco creíble, es posible que no sea del todo culpa suya puesto que como decía hay momentos que no terminan de explicar las cosas que le pasan, simplemente las apuntan y no las desarrollan, por ejemplo, el distanciamiento de sus amigos de toda la vida, que resultaría clave para el desarrollo de su personaje sólo lo explican diciendo que “ha cambiado”, entonces aunque no te pierdas sí que te saca un poco de la trama. Por ejemplo cuando se porta mal la película no explica por qué lo hace, lo cuenta y punto, como si fuera un telegrama, no se extiende sólo lo dice y ya está, si la veis veréis a que me refiero. No digo que nos hubieran sacado la lágrima fácil pero si hubiera sido interesante explicar mejor lo que Apple representaba para él porque parecía ser su único amor.

Un punto muy bueno a su favor es la cámara semisubjetiva que sí permite ver el punto de vista del personaje principal (sobre todo el la presentación del iPod), también me parece muy acertada la opinión de una de las lecturas que ponen sobre la mesa, que es la siguiente: cuando ves que todo se desmorona vuelve a los orígenes pues en ellos está la respuesta de por qué lo se hacen las cosas de una determinada manera, ahí cumple un papel fundamental Steve Wozniak, el genio entrañable y amigo de su juventud (interpretado por Josh Gad) que sí logra emocionar desde el principio y durante toda su trayectoria y desarrollo resultando sumamente creíble y magníficamente interpretado.

Destaca la parte en la que Steve Jobs regresa finalmente a Apple y le dice a los empleados que hagan lo que quieran pero que creen algo y uno de los empleados (uno de sus mayores apoyos en esa segunda fase de su periplo por Apple) saca los rotuladores de colores y se pone a pintar y a crear tal y como le había animado su recién llegado jefe: digamos que ese momento representa en realidad su vuelta definitiva porque recupera algo que parecía haber perdido: la ilusión.

Nota: 6/10

Lo mejor: Los hippies de los años 70 y el homenaje al grupo de amigos del final mostrando fotos de los personajes a los que representa comparándolos con fotos de las personas reales.

Lo peor: Intenta ser una historia evocadora e inspiradora pero no profundiza, no logra del todo “llegar al corazón”, precisamente una de las frases que utilizan los personajes de la película cuando hablan de sus intenciones al crear.

Ver cine es una búsqueda constante, tanto de nuevas sensaciones como de una originalidad que parece se ha perdido en los últimos tiempos, en los que, a los que buscamos esto (y huimos de bombazos y efectos especiales con argumentos endebles), cada vez es más difícil que nos impacte una película.

Vamos digiriendo, intentando seleccionar de la mejor forma posible; pero entre la falta de ideas del cine americano (americanizando-adulterando buenos trabajos de otros y explotando remakes…) y rebuscando entre la, a veces, pobreza de un cine nacional, ampliamos las miras y ¡zas!, de repente aparece, y nada menos que de la mano de Kim Ki-duk, esta maravillosa película que reúne varios temas de la forma más insólita.

El título original de Hierro 3 esBin-jip, que significa “Hogares vacios”, en inglés 3 Iron. Producción surcoreana del año 2004 clasificada en el género del romance o drama romántico. HeeJae (Tae- Suk en el filme), es un joven que se dedica a entrar en moradas ajenas para ocuparlas temporalmente. Su objetivo no es robar nada, lo único que hace es comer algo, dormir, hacer la colada, regar las plantas y arreglar algún objeto estropeado. Intenta de algún modo acercarse a sus ausentes dueños haciéndose fotos con las suyas detrás, investigando sobre sus vidas y sintiéndose ellos mientras dure la estancia.

De ese modo un día vivirá como un boxeador; otro como un fotógrafo, un empresario, etc. El por qué de estas ocupaciones no lo sabemos, podría ser para llenar la “casa vacía” de su alma, de su soledad, de su actividad, de su existencia... que también está temporalmente ocupada por él mismo. Podría ser una filosofía de vida, en la que, de esta manera, no tendría que trabajar ni hacer frente a los gastos que conlleva tener una casa en propiedad. Aunque siempre hay un roto para un descosido y seguramente su manera de olfatear foráneo le estaba llevando a una extraña pesquisa. Quien comienza un rastreo insólito (como es extraño el utilizar ese “hierro 3”) obtiene lo que busca, en este caso se encuentra con la horma de su zapato y el amor.

Como era de esperar, este tipo de vida que lleva Tae-suk, en cualquier momento se vería truncada y así finalmente ocurre. Hee JaeSeung-yeon lee (Sun-hwa en el filme) un día permanecerá oculta en una de las casas ocupadas por Tae-suk, observándole ella a él en silencio. Ese silencio que será el idioma que hablarán los protagonistas. Sun-hwa, que en tiempos fue una hermosa modelo, vive ahora en casa de un rico marido que la maltrata y encierra. La aparición de Tae-suk en su vida será un soplo de aire fresco al que no pone resistencia a la entrada en sus pulmones, ya que le aportará la vida de la que carecía hasta ese momento.

Según las propias palabras de Kim Ki-duk: "La idea se me ocurrió en octubre del año pasado. Estaba quitando un folleto que estaba pegado en la cerradura de la puerta de mi casa cuando de pronto se me ocurrió que todas las casas que tenían esa publicidad intacta durante varios días debían de estar vacías. La imagen de una casa vacía en la que no entra nadie me llevó a la historia de una persona muy solitaria, aislada de los demás, y decidí hacer una película acerca de un hombre que entra en ella y colma ese vacío con calidez".

Los temas que podemos ver en esta película son:

Lo espiritual: El protagonista es una especie de fantasma que habita las casas; intenta perfeccionar tanto la técnica que finalmente consigue no ser detectado.
Triángulo amoroso: Sun-hwa vive con un marido rico al que detesta por su comportamiento machista, celoso y obsesivo, la quiere pero la maltrata y encierra y se empeña en forzar su amor. Ella vivirá entre recuerdos de otros tiempos, en los que fue una modelo bella, famosa e independiente. Cualquier señal le hubiera servido para abandonar la vida que llevaba y ese hogar rico en lujos pero también en falsedad e infelicidad. La aparición de Tae-Suk en su vida será esa señal. “Hierro 3” es un palo de golf que jamás se utiliza, la simbología del número tres estará unido también a este inusual personaje.
El amor silencioso: La mayor originalidad de la película reside en que los dos protagonistas no se llegan a hablar (verbalmente) en toda la película. Aunque a veces es un poco forzada la obstinación del director en que no se digan absolutamente nada, resulta de lo más llamativo ver como la historia nos la cuentan los demás. No les hace falta el diálogo, ellos no tienen esa necesidad, y, sin embargo, no puede existir un tipo de conexión más grande que el de los que se entienden sin hablarse.

Lo más disfrutable de la película:

Las metáforas: Abundantes en toda la película, que sugieren, que nos cuentan sin apenas hablar, que nos hacen pensar mucho con muy poco. La pelota de golf atada, golpeada y finalmente liberada. El sentido de propiedad que rehusa el protagonista. Ese sentido de reparar los objetos estropeados; igual que hace con Sun-hwa, como otro objeto más que se encuentra en una casa y está roto. Él no querrá poseerla como su marido, ella se va con él libremente, finalmente la “repara” y la devuelve a su hogar. Para seguir "tomando prestado" lo que precise.
La originalidad: Tanto el argumento, como la filosofía de vida, como las búsquedas, como los comportamientos, aportarán gran originalidad. La manera en la que el protagonista, con su extrañeza, encuentra a alguien que no sólo se adapta a él si no que es su complemento perfecto es difícil de conseguir. Las necesidades de vacío harán el resto. Un chico extraño y solitario y una mujer maltratada, que vive de antiguos recuerdos y es dependiente de un error. Estas dos personas se abrazan para tapar los vacíos en sus necesidades y buscarán la fórmula para, de la misma manera en que vivían, pasar de la tristeza a la alegría.

En definitiva, una película cien por cien recomendable si huyes, como yo, de archiconocidas y explotadas fórmulas y deseas visitar un buen contenido que, sin palabras, nos contará tantas cosas...

-Pedro Pablo Blanco-

¡Queremos llevarte gratis al cine!

Por cortesía del portal SensaCine y de los cines Kinépolis os ofrecemos la posibilidad de conseguir 1 entrada cuádruple que sorteamos para acudir al preestreno de Turbo.

Concursar es muy sencillo, solo tienes que hacerte seguidor del blog en el menú de la izquierda y contestar a una sencilla pregunta, ¿cuál es tu personaje de animación favorito y por qué?

Recordad que es esencial que contestéis en este post o al email raquel.hernandez27@gmail.com indicando vuestro nombre y apellidos y una dirección de correo electrónico.

También podéis concursar a través de Twitter utilizando el hashtag #QuieroCinePreestreno y @RaqHdez y @SensaCine.

Los ganadores de las entradas se publicarán el 7 de octubre y recibirán un email de confirmación para acudir al preestreno del día 10 de octubre a las 19:30 en los cines Kinépolis de Madrid.

Os dejamos el tráiler para que vayáis abriendo boca:

Las brujas de Zugarramurdi comienza con una escena de acción con tiros, puñetazos, empujones, patadas y persecuciones en coches que deja sin aliento. Con tal fuerza nos presenta Álex de la Iglesia(Acción mutante, La comunidad, El día de la bestia, Balada triste de trompeta) un caótico grupo de ladrones disfrazados de mimos que preparan un golpe a una de las típicas tiendas de Compro Oro de Madrid que últimamente proliferan como setas.

Con una caracterización de los personajes increíble, vemos cómo la lían en el atraco y luego escapan al norte en una persecución alocada y estrepitosa. La fuerza de ese comienzo brutal y va dejando paso a tópicos de guerra de sexos que hacen reír, bien porque las hayamos vivido nosotros mismos, bien porque lo hemos visto en terceros. Con la excusa de las brujas, presenta a las mujeres como tales, dando a entender: que lo saben todo, que no se les puede ocultar nada y que siempre se salen con la suya. A los hombres por el contrario se les muestra como ingenuos, despistados y tontorrones: sólo se dan cuenta de lo que ha pasado cuando ya se la ha jugado alguna mujer. También hay que tener en cuenta la crítica social disfrazada de bromas y diálogos que parecen bobos, pero que dicen mucho, porque al fin y al cabo el atraco que se proponen es por estar en paro y encontrarse en una situación absolutamente insolvente. Es un escenario desesperante pero disfrazado de una historia alocada e imposible que se disfruta en determinados momentos.

Queda muy bien reflejado el centro de Madrid con su caos habitual y con los conferenciantes mesiánicos que nos avisan del fin del mundo y que hábilmente conectan con la peculiar familia de brujas que más adelante nos será presentada, además de los hombres-anuncio de compra venta de oro, personajes infantiles y demás personas en busca de recaudar algo de dinero para salir adelante. La estética de la película y escenas en movimiento ofrecen una magia especial que recuerda en algunos casos a El día de la bestia visualmente mejorada.

En la persecución nuestros personajes quedan atrapados en Zugarramurdi, una población navarra famosa por sus leyendas relacionadas con la brujería (en la cual fueron condenadas a la hoguera un grupo de mujeres acusadas de brujería por la inquisición del siglo XVII, condena repleta de mucha superstición y miedo pero pocos hechos y pruebas y que consiguió incrementar la leyenda de tales “brujas” por su posible futura venganza) y allí precisamente es cuando empieza el verdadero y absoluto caos.

Empezando por esa escena brillante de persecución de policías y ladrones en la que se introducen en un bosque y sortean montones de árboles como en La guerra de las galaxias y siguiendo por ese bar donde nada tiene sentido, ¿cómo y por qué no echaron a correr antes? Si ya con los habitantes del bar estancados en el pasado de hace veinte años, las tenderas del bar (evidentemente brujas) y las máscaras de gigantes y cabezudos que había fuera harían temblar al más cuerdo.

Las brujas de Zugarramurdi

El caso es que aunque las pistas de locura se las dan desde el principio ellos siguen pensando en huir a Francia con su botín para empezar una vida nueva, sólo piensan en cruzar la frontera ¿lo conseguirán?

En cuanto a los personajes tenemos por una parte a los ladrones:

Jose (Hugo Silva) separado y en paro, con un hijo pequeño con el que quiere huir a Francia para librarse de su mujer, se le va todo de las manos puesto que por el camino surgen muchos imprevistos.
Tony (Mario Casas) mujeriego y simplón en sus reflexiones, muy gracioso en su papel cuando cierra los ojos a la vez cada vez que piensa algo mínimamente profundo.
Taxista (Jaime Ordóñez) muy gracioso puesto que en los momentos de más tensión dice unas cosas muy ocurrentes, además este actor en su personaje es muy peculiar por su dicción perfecta e intención de darle sentido a todo.

Por el camino queda atrapado el ocupante del taxi que iba a Badajoz para sustituir a su cuñado en un trabajo y que representa una vez más la desesperación laboral de las personas hoy en día porque hasta el último momento el hombre indica y replica hasta cansarse que él lo único que quiere es ir a Badajoz, curioso que lo que quiera el hombre es ganarse la vida aunque sea por una sustitución de sólo un día y que para ello tenga que irse a 400 kilómetros y encima no lo consiga y acabe vapuleado, maltratado, lesionado y hecho polvo.

En cuanto al hijo del protagonista, al que da vida Gabriel Delgado, cuando los demás están ya cagados de miedo el crío se lo está pasando bomba, cualquier cosa antes que hacer los deberes… para que luego digan que los niños necesitan sus rutinas.

Los inspectores de policía son Secun de la Rosa y Pepón Nieto, les pasan las cosas por delante y no se dan ni cuenta, eso es muy gracioso, los pobres no dan una y acaban atrapados en las garras de las brujas.

En fin mientras se desarrollan los acontecimientos de huida se tropiezan con una amable y elegante señora de mediana edad (Carmen Maura) que busca a su madre (Terele Pávez) (previamente atropellada por el destartalado taxi donde viajan los ladrones que cada vez se van impregnando más del sinsentido en el que les envuelven los acontecimientos)… y a pesar de tener su objetivo muy claro (pasar la frontera), acaban en la casa de la mujer que, como no podía ser de otro modo está llena de brujas. Atentos a los movimientos de las brujas por los techos y paredes a la caracterización, maquillaje y peleas con coreografía espectacular.

Las brujas de Zugarramurdi, ojo al elenco que no tiene desperdicio:

Abuela (Terele Pávez) La abuela sin escrúpulos que hace temblar con sólo decir una palabra por su brusquedad y entonación y a la vez te ríes muchísimo puesto que siempre está por medio y fuera de lugar, es muy divertida y disfrutable.
Madre (Carmen Maura) La madre, Graciana, una mujer elegante y aparentemente normal y educada pero cuidado cuando aparece con su verdadero atuendo y cuando empieza a hacer sus planes como matriarca de akelarre mientras anda por el techo, miedo y risas, locura total.
Hija (Carolina Bang) La hija rebelde, Eva, poderosa, jovencísima y bellísima pero bastante loca, irritable, histriónica y encolerizada, la mezcla provoca enormes risotadas en determinados momentos por su impecable interpretación.
Nueva bruja (Macarena Gómez) La madre del niño, perfeccionista y un poco histérica y desde que se entera que el padre ha cometido el robo y que su hijo estaba presente lo deja todo para formar parte de la persecución de su marido, al principio es la “bruja” de su mujer luego las brujas de Zugarramurdi se encargan de convertirla en una bruja bruja.
Bruja del bar (María Barranco) anda por el bar sosteniendo un brazo humano, consigue dar miedo y sacarte la risa por lo absurdo del personaje pero que le da un toque "delaiglesiano"único: espeluznante a la vez que desternillante.

En general darán que hablar y apuesto a que el próximo Halloween muchos disfraces serán de Las brujas de Zugarramurdi.

Otros personajes del entorno de las brujas:

Las brujas travestidas de la cena (Carlos ArecesySantiago Segura) que le dan el toque de simpatía a tan singular encuentro.
El del bar (Enrique Villén) es como un niño grande, participa en las actividades de las brujas, la cena, el aquelarre, etc. y a pesar de ser un hombre no cuenta en los planes de las brujas porque forma parte de su familia matriarcal.
El hermano de Eva (Jaime Botet) Encerrado y encadenado desde niño es el guía, ayudante ante los problemas.

Nota:6’3/10

Lo mejor: La Gran Madre, monstrua gigante que come gente, con caderas y senos desmesurados, figura que es adorada por el resto de brujas, esa Venus gigantesca cuyos logrados movimientos sorprende sin lugar a dudas, seguro que no pasa desapercibido aquí ni fuera de España puesto que por su originalidad nos deja boquiabiertos.

Lo peor: La coherencia de la película, no se encuentra el sentido final tan solo nos preparan para una segunda parte posiblemente más loca y divertida que ésta. La parte física y estética está muy lograda pero la parte espiritual no queda del todo plasmada, no se sabe nada de las brujas, no hay alusiones a las leyendas o a la magia. en algunos momentos tampoco se entiende por qué los personajes hacen las cosas que hacen, a lo mejor forma parte del juego porque al fin y al cabo es una comedia y las risas están aseguradas.

Te gustará si... buscas diversión y aventura y no algo más allá porque la película en cierto modo es un: "oye que me has pisado"; "qué va, qué va, ¡eres tú el que ha puesto el pie debajo!".

-Alicia Hernández-

Qué mejor manera para inaugurar este nuevo espacio de Quiero Cine que con una genialidad que ha pasado a ser mucho más que meras acciones publicitarias; que ha creado un nuevo lenguaje, una forma única, divertida y diferente de acercarse a los usuarios, de seducirles y de ganárselos, el sueño de todo anunciante hecho realidad. Mahou-San Miguel con su cerveza con limón Mixta puede presumir desde hace varios años de haberlo conseguido.

Pero Mixta es más que una simple bebida, que un surrealista spot, es mucho más que una dinámica web, que unas disparatadas redes sociales o una innovadora aplicación. Mixta es el ejemplo de la nueva publicidad, de otra forma de comunicación, de un éxito comunicativo y de cómo un anunciante ha sabido ver y aprovechar la oportunidad que se le presentaba. Es pura creatividad, es esencia, es marca… es fidelidad y experiencia, generación constante de content branding… llamarlo como queráis pero… "sabe a mixta".

Lo que me resultó muy curioso es descubrir que esto no siempre fue así. Mahou empezó su andadura con Mixta en 2005: este producto fue lanzado teniendo unas ideas muy claras en cuanto a lo que se quería alcanzar pero sin saber muy bien cuál era el camino adecuado para plasmarlo. Pero supo remontar, ya veis que si lo hizo, y en 2009 encontró por fin su lugar gracias, en gran parte, a que la cuenta pasó a manos de la agencia Publicis y Mixta encontró en ésta su compañera de viaje, su guía para triunfar. El resultado fue un giro de 180º a su comunicación, el lanzamiento de “Casting para gatos” y el inició del ascenso hacia lo más alto.

Producción Mixta

Numerosos son los exitosos spots que han llegado desde entonces: “Made in Mixta”, “Grandes éxitos”, con el curioso grupo musical Pan; o qué me decís del que para mí representa el momento de oro de esta atrevida marca con “Sabe a Mixta”, compuesto por el aclamado delfín de “Intermitentex”, el debate sobre el ciempiés en “Nombrex”, el pobre castor con picores de “Disecadox” y el tierno “Amor a primera mixta”.

Inolvidables serán también los momentos y frases que nos ha regalado con la serie “Pensamiento”, esta vez fruto del trabajo con la agencia Sra. Rushmore: “Barcelona es muy europea”,“la brisa también pone moreno” o “el pelo largo es muy esclavo” te sacarán al instante más de una sonrisa.

Interesantes piezas que han aumentado el palmarés de triunfos son las que conforman “Con X de Mixta”: “Estribillox” con la pegadiza Giratoria, o la alternativa reivindicación del miedo en “Reclamacionex” forman ya parte de nuestra historia.

Pero sin duda, las cifras le dan el top ten a “El pato Willix”, nuestro pato predilecto, el único capaz de ganar al adorable patito feo y de arrasar en Internet. Desde que “El Pato Willix llegó, el efecto viral se disparó y un nuevo fenómeno social apareció. Y no podéis perderos el final del pato Willix, en el "El The End de los The Ends" donde nuestra estrella de Youtube se sometió nada más y nada menos que a una operación quirúrgica de cambio de especie y pasó a ser “El Cebraso”, chapó por los creativos.

Su promesa es clara y la cumple: ofrece una de las mejores experiencias, el entretenimiento a través del humor y la diversión. Lo amarás o lo odiarás, pero nunca te pasará inadvertido. Vamos, una marca joven, fresca y rompedora que consigue el “feeling” con su público con estas fantásticas campañas 360º. Todo ello, siendo pioneros en su sector, con una producción muy económica; y sabiendo aprovechar muy bien las posibilidades que las nuevas plataformas como Youtube o las redes sociales les ofrecen.

El problema: que somos insaciables y nos cansamos muy rápido. La fama es efímera, ¿logrará Mixta continuar reinventándose constantemente y no perder esa magia? Gran reto en el que algo sí que está claro y es que Mixta aún tiene mucho qué decir, hacer y aportar a la sociedad y a la publicidad y yo me muero de ganas de poder verlo y compartirlo con vosotros. Dentro de poco veremos su actual campaña #mellamandedo que ya está dando mucho que hablar.

Próximamente iremos nutriendo esta recién nacida sección publicitaria alternando los clásicos del ayer y las innovaciones del mañana, los entresijos más interesantes que se vayan desarrollando en este campo, en el que siempre hay algo que contar.

Nos vemos después de los anuncios.

-Yasmina Martos-

Cartel de Los Picapiedra

Ficha Técnica

Creado por: William Hanna y Joseph Barbera (emitida por ABC)

País de origen: Estados Unidos

Año: 30 Sept. 1960 - 1 Abril de 1966

Temporadas: 6 Temporadas

Episodios: 166 Episodios + 1 película + 1 precuela + 1 serie animada Los pequeños Picapiedra + 1 serie animada El show de Pebbles y Bamm-Bamm

Duración: 30 minutos aprox.

Sinopsis

Piedradura, la edad de Piedra: Los Picapiedra son una familia que refleja la clase media de la sociedad estadounidense. Viven en un mundo fantástico lleno de dinosaurios, mamuts, dientes de sable y otros animales extintos junto a sus vecinos, Los Mármol. La serie nos deleitará con las aventuras de Pablo y Pedro que además de vecinos son íntimos amigos.

Letra de la canción

Flintstones. Meet the Flintstones.
They're the modern stone age family.
From the town of Bedrock,
They're a page right out of history.
Let's ride with the family down the street.
Through the courtesy of Fred's two feet.
When you're with the Flintstones
you'll have a yabba dabba doo time.
A dabba doo time.
You'll have a gay old time.

Personajes

Pedro Picapiedra (Frederick “Fred” Picapiedra): Pedro es un hombre vulgar, maleducado, obeso y comilón de huevos de Brontosauro que vive junto a su mujer Vilma en Piedradura (BedRock). Aún así también puede ser cariñoso y sensible. Amigo de sus amigos y con capacidad de aprendizaje nos hará reír en muchísimas ocasiones. Pedro siempre lleva su característica corbata azul y su traje de piel de tigre sin mangas y sin pantalón. Su frase preferida es “Yabba Dabba Doo” cuando está muy emocionado. Pedro y Vilma tienen en común una niña llamada Pebbles. Trabaja en una cantera (Slate Rock and Gravel Company) como operador de bronto-grúa y en varios episodios su ingenio le hará el no perder su trabajo. Poco reflexivo, el problema más grande en su vida será su rol como padre que le hará enfadarse en muchísimas ocasiones siendo esto el principal embrollo de los capítulos. Es un gran jugador de boliche (juego de bolos) y miembro de los Búfalos Mojados (fraternidad en la que se reunían). Pedro siempre está buscando algún plan para hacerse rico rápidamente.

La familia Picapiedra y los Mármol

Pablo Mármol (Bernard Escombros "Barney"):Pablo es el mejor amigo de Pedro. Un hombre parco en palabras y que siempre reflexiona ante los problemas. Siempre tiene una sonrisa en la cara y Pedro le suele llamar “enano”. No suele enfadarse nunca y tiene pocas ideas pero cuando las tiene siempre lo hace desde la honradez. El problema de Pablo es que siempre se deja embaucar por su amigo Pedro. Pablo es un gran pianista y le encanta tocar la batería además de ser un buen jugador de golf. Está casado con Betty Rubble y tienen un niño adoptado llamado Bamm-Bamm. También es miembro de los Búfalos Mojados. La ocupación de Pablo es desconocida en la serie pero en las películas Pedro y Pablo trabajan en la misma cantera. Siempre va vestido con su traje marrón sin mangas ni pantalones.
Vilma Picapiedra (Pebble o Slaghoople): Vilma es la esposa de Pedro. Es la cabeza pensante de la familia y la que saca siempre de apuros a su marido cuando este se mete en problemas. Proviene de una de las familias más ricas de Piedradura pero pierde esa condición al casarse con Pedro. Viste un vestido blanco largo sin mangas ni pantalones. Siempre lleva en su cuello un collar de perlas y su pelo es rojizo llevando siempre una coleta. Trabaja de ama de casa y es una gran cocinera. Sus frases más características son “¡Pedro Picapiedra!” y “¡A crédito!” cuando va a ir de compras con su amiga y vecina Betty. Su apellido de soltera es “Pebble o Slaghoople”.
Betty Mármol (Elizabeth”Betty” Jean Rubble): Betty es la fiel esposa de Pablo. Siempre con una sonrisa en la cara como su marido es tranquila, amable y generalmente siempre esta relajada y muy feliz. Es amiga de Vilma y lo que mas le gusta es irse de compras. Siempre viste con traje azul sin mangas ni pantalones, es morena y siempre lleva un colgante con una joya a su cuello. Ella y Vilma se conocieron en la adolescencia cuando trabajaban en un resort como cigarreras. Cariñosamente llama a su marido “Cuchi cuchi”. Betty no puede tener hijos y adoptan legalmente a un niño llamado Bamm-Bamm.
Pebbles Picapiedra:Pebbles es la hija de Pedro y Vilma. Nace a partir del final de la tercera temporada en el hospital Bedrock Rockapedic el 22 de Febrero de 10000 BC. Es pelirroja como su madre. Casi todo el mundo conoce a Peebles de pequeña con su coleta recogida con un hueso. Siendo adolescente se hace una excelente jugadora de béisbol. Se hace muy amiga del que será su marido cuando sean mayores, el hijo adoptivo de los Mármol Bamm-Bamm. Siendo ya adulta estudia junto a Bamm-Bamm en el Bedrock High School , la carrera de Publicidad y se traslada a vivir a Hollyrock( el Hollywood de la edad de Piedra). Tiene a su vez dos hijos: Roxy y Chip que son mellizos.
Bamm-Bamm Mármol: Bam-Bam es el hijo adoptivo de Pablo y Betty Mármol. Los Mármol se lo encuentran un día en su puerta dentro de un caparazón de tortuga. Le llaman Bamm-Bamm porque en la canasta donde viene pone este nombre en una nota. El niño tiene una fuerza sobre humana que a menudo era una fuente de humor en los capítulos. Siempre iba vestido con una especie de tapa rabos de piel de tigre y un gorrito a juego y en su mano una especie de bate echo de piedra. En la fase adulta Bamm-Bamm estudia con Pebbles y tras ello se enamoran y se casan. Trabaja de mecánico y se translada a vivr a Hollyrock junto a su mujer.
Dino: Es la mascota de Los Picapiedra. Es un dinosaurio de color rosa muy juguetón y cariñoso que la única forma que tiene de expresar lo que siente es a base de lametones, los cuales, siempre se los lleva Pedro. Cuanto va evolucionando la serie se va viendo como la mascota va creciendo.
Hoppy: Aparece a partir de la quinta temporada y es la mascota de Los Mármol. Es un canguro de color verde que siempre esta dando saltos y sacando de quicio a Pedro.
Señor Rajuela y Gran Gazú: El señor Rajuela es un hombre calvo y con gafas que es el jefe de Pedro en la cantera. El gran Gazú es un extraterreste que es desterrado a la Tierra que ayudará a los protagonistas muchas veces en contra de su voluntad.

Los Picapiedra y los Mármol con Dino

Cosas a saber

Los Picapiedra fueron los primeros dibujos animados en emitirse en color por televisión.
Originalmente la serie se iba a llamar en inglés The Flagstones, pero en el último momento el nombre fue cambiado para evitar confusiones con el nombre The Flinstones.
El nombre de "Pedro" significa "piedra" en algunas culturas, y para no perder el hecho de que su nombre y apellido empezaran con la misma letra, se tradujo como "Picapiedra" = "Flintstone".
Como la caricatura iba dirigida al público adulto, fueron patrocinados por la compañía de cigarros Winston y los personajes aparecieron en varios de sus anuncios televisivos.
Fue la primera serie en invitar y presentar caricaturas de grandes artistas como por ejemplo Cary Grant o Rock Hudson.
El compositor del tema musical de la serie fue Hoyt Curtin, y tanto William Hanna como Joseph Barbera escribieron la letra original en inglés.
Pedro y Pablo eran masones e iban con Los búfalos mojados hermandad donde se reunían los protagonistas y donde expresaban los distintos puntos de vista.

Pedro y Pablo con el sombrero de la logia de Los Búfalos Mojados

Opinión personal

Los Picapiedra es y será durante muchos años una de las serie de televisión más conocidas en el mundo y que más se ha visto solo superada por Los Simpson. Esta serie nos enseñó no solo a reírnos sino que aprendimos multitud de temáticas como la infertilidad, la adopción, la ludopatía, el consumismo cosas que (aunque pareciera una serie difundida para niños) tocaban multitud de temas para adultos. Para mí siempre estará en mi corazón la amistad de estos dos vecinos que hacían que se te saltara alguna lagrimita.

¿Quién no ha dicho alguna vez lo de “Vilmaaaaa, ábreme la puerta”? ;)

-Jose Andrés López-

¡Queremos llevarte gratis al cine!

Por cortesía del portal SensaCine y de los cines Kinépolis os ofrecemos la posibilidad de conseguir 5 entradas dobles que sorteamos para acudir al preestreno de El camino de vuelta.

Concursar es muy sencillo, solo tienes que hacerte seguidor del blog en el menú de la izquierda y contestar a una sencilla pregunta, ¿cuál es tu comedia familiar favorita y por qué?

Recordad que es esencial que contestéis en este post o al email raquel.hernandez27@gmail.com indicando vuestro nombre y apellidos y una dirección de correo electrónico.

También podéis concursar a través de Twitter utilizando el hashtag #QuieroCinePreestreno y @RaqHdez y @SensaCine.

Los ganadores de las entradas se publicarán el 14 de octubre y recibirán un email de confirmación para acudir al preestreno del jueves 17 de octubre a las 20:30 en los cines Kinépolis de Madrid.

Os dejamos el tráiler para que vayáis abriendo boca:

Suerte y ¡nos vemos en el cine!

¿Alguna vez han oído hablar de la depresión estival? Yo pensaba que era un mero cuento chino inventado por la raza humana para justificar sus caras rancias y sus drásticos cambios de humor. Cada octubre, dejaba a una panda de pardillos regocijándose en sus penas y filosofando al ver las hojas caer y yo, en cambio, emprendía mi apasionante viaje al Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges, aprovechando los últimos rayos de sol, playa, heladitos y comiditas ricas, marchas zombis, pero sobre todo mucho cine, mucha sangre y la mejor compañía. Pero este año, ya que circunstancias ajenas a mi voluntad me impiden mi anual viaje, me he convertido en una pardilla más, me regocijo en mi agonía y solo quiero matar humanos.

Para mitigar este extraño sentimiento he decidido hablarles de una de las películas que un año pude disfrutar allí: Atrocious, que casualmente se desarrolla en la localidad de Sitges.

La película dirigida por Fernando Barreda Luna afirma estar basada en una historia real. Nos habla de unas cintas encontradas con aproximadamente 37 horas de grabación en las que se pueden ver los terribles asesinatos de gran parte de familia Quintanilla, dos productores viendo la posibilidad de poder realizar una película, convencieron al padre para que les permitiera sacar la historia a la luz acordando omitir ciertas partes que podrían dañar la imagen familiar.

Sé lo que están pensando y no les voy a quitar la razón, la película es un falso documental, algo actualmente denominados "mockumentary": un metraje que sigue la tradición de terror subjetivo, de ir cámara en mano para intentar hacerlo más creíble como en su día ocurrió con Holocausto caníbal o El proyecto de la bruja de Blair.

El film comienza con unas imágenes de lo que será el final pasadas a cámara rápida, lo que hará que se despierte nuestro instinto depredador más letal, pero nada más lejos de la realidad, expectativas de espuma, ya saben, el siguiente plano nos muestra a los hermanos mayores de la familia Cristian y July, junto con un amigo común David. Hablan a la cámara diciéndoles que van a tener que ir a pasar la semana santa a una casa de la familia que esta Sitges en la zona del Garraf, lo que no les hace especial gracia.

En sus ratos libres a Cristian y July les gusta entretenerse investigado casos paranormales, y ¡qué coincidencia! A pesar de lo aburrido que parecer ser su viaje, descubren que en el lugar a donde van hay un caso paranormal que investigar: la leyenda de Melinda. Ésta cuenta que si te pierdes en el bosque de la zona aparece una niña vestida de rojo y te muestra el camino. Aunque no todas las versiones que se escuchan sobre la niña Melinda son igual de alentadoras, algunas dicen que es el mismo demonio, que nunca jamás de los jamases has de darle la espalda, y que si oyes ruido detrás de tu espalda es que esta justo detrás de ti... (La leyenda he comprobado que existe, no que sea real, entiéndanme, pero que la leyenda sí se cuenta desde hace años por la zona del Garraf, aunque no es exactamente como la plantean en la película).

Cuando la familia Quintanilla llega a la casa, los tres hermanos descubren asombrados que al lado de la casa (la cual no visitan desde hace diez años) hay un jardín en forma de laberinto, en el que los padres hacen especial hincapié para que no se metan nunca. (Muy lógico todo: te vas a una casa que no visitas hace un porrón que tienes un laberinto supermolón pero les dices a tu hijos que no entren).

La cuestión es que se pueden imaginar el caso que les hacen los niños, (sí, ese mismo caso les hacen) se adentran en el laberinto para comenzar a investigar la leyenda de Melinda y descubren un pozo. Aparentemente no ocurre nada y vuelven a la casa, pero a la mañana siguiente descubren que Robin, el perro de la familia, ha desaparecido. A partir de aquí ocurre una desgracia sobre otra, ¿será Melinda la causante de todo?

Nota:3,5/10

Lo mejor: el despliegue publicitario que hicieron en su momento para promocionarla intentando hacernos creer que lo que vamos a ver es una historia real con imágenes verídicas. Para justificarlo se hicieron varias manifestaciones a las puertas de los cines que proyectaron contra la productora y crearon unas páginas http://casoquintanilla.com, http://w.videowap.tv/casoquintanilla.com ambas deshabilitadas actualmente, a pesar de que la primera de ellas se considera la página oficial.También hay una página de Facebook que si lo desean sí lo pueden visitar porque sigue activa. Aquí podrán ver una serie de vídeos que, desde mi humilde punto de vista, en lugar de reforzar la idea de que la película es real, lo desbarata ya que son vídeos antes de que pasara la fatal tragedia y vemos a Cristian y a July, los mismos que vemos en la película, (ya que la película asegura que la imágenes son reales) pero Cristian y July en verdad son Cristian Valencia y Clara Moraleda no digo nada y lo digo todo. También les dejo la página oficial de la película, en la cual requete-insisten en que la historia es real, pero no se la adjunto por eso, sino porque podrán encontrar la leyenda original de Melinda.

Lo peor: Los movimientos constantes de cámara pueden marear a más de uno, la parte paranormal desde mi punto de vista muy mal jugada, el ritmo excesivamente lento del film, hay momentos en que no ocurre nada de nada y sobre todo el final de la película. Como durante la película todo es taaaan lento, taaaan subjetivo, tanto árbol que viene, tanto árbol que va, han querido darle un giro radical los 10 últimos minutos aproximadamente de la película tienen mucha tensión, pero la resolución final esta cogida muy pero que muy con pinzas y aún así estoy siendo buena.

Quizás están pensando que después de tanto tiempo sin escribir con vaya película que vengo, es probable que estén en lo cierto, pero quería estar un poquito más cerca de Sitges, y ¡qué leches! Tenemos que conocer de todo ¿no?

Solo hay una cosa que les puedo asegurar a ustedes y a Sitges ¡VOLVERÉ!

¡Señores felices pesadillas!

-Gina V-

Grand Piano nos presenta al joven Tom Selznick (Elijah Wood), el pianista con más talento de su generación, cuando está a punto de regresar a los escenarios para dar un concierto en Chicago. Éste es un acontecimiento que acapara una gran atención mediática por varios motivos. El principal: el morbo que produce asistir a la primera representación desde su fracasada interpretación de “La Cinquette” cinco años atrás, una pieza de enorme complejidad creada por su ya fallecido maestro y mentor Patrick Godureaux (Jack Taylor); aunque también influye el hecho de que esté casado con Emma, una gran estrella de Hollywood, que organiza el evento. Y para rematar la expectación, el piano que utilizará Selznick será el del compositor, que nunca antes había salido de la mansión de este último.

Cuando el pianista consigue sobreponerse de sus miedos y subir al escenario, encuentra en la partitura un mensaje: “Falla una sola nota y morirás”. También tendrá que cumplir los deseos de un misterioso personaje (John Cusack) que se comunica con él a través de un auricular y que, armado con un fusil, está oculto en el teatro y amenaza con matar a su mujer si abandona el escenario sin su consentimiento.

A partir de este momento nuestro protagonista tendrá que intentar salvar su pellejo y el de mujer en una frenética carrera para engañar a su vigilante y a los que le ayudan, cumpliendo con sus deseos. En esta lucha descubrirá la causa oculta por la que su vida corre peligro, un móvil que poco tiene que ver con la música.

Grand Piano

Eugenio Mira afronta su tercer proyecto como director con un film más sólido y con una mayor proyección internacional. Tras su extraña y compleja ópera prima The birthday (2004) y Agnosia (2010) nos encontramos con un trabajo que va a dar, sin duda, un mayor impulso a su carrera por la gran calidad del resultado final.

Nos encontramos con una película que los amantes del cine con mayúsculas no podemos perdernos. El guión de Damien Chazelle fluye como el agua entre las piedras para solventar el principal escollo que tiene la historia: ¿cómo construyes un thriller psicológico en el que el protagonista está la gran parte del tiempo tocando el piano rodeado de músicos y espectadores?

Elijah Wood, obligado a vencer el pánico escénico en Grand Piano

El sonido de la película es sobresaliente, sumergiéndonos en los ruidos que subyacen bajo la armonía de la orquesta y el piano: los murmullos del público, el bullicio del teatro... y todo para crear una atmósfera que te atrapa desde el primer momento. Como te atrapa también la magistral realización de Eugenio Mira, con unos magníficos y elegantes planos secuencia, en armonía con planos cenitales y primeros planos, que con el excelente montaje José Luis Romeu, provocarán sin duda la fascinación del espectador en su butaca. La música original de Víctor Reyes de los títulos de crédito es una introducción perfecta e ilustrativa que da pistas, la fotografía de Unax Mendía también es reseñable.

La fotografía y la planificación del rodaje son sobresalientes en Grand Piano

Grand Piano es también una gran película gracias a las grandes interpretaciones de todo el elenco: desde los personajes principales hasta los secundarios o los extras. Elijah Wood da perfectamente el punto de fragilidad y angustia que sufre su personaje por el miedo escénico y al fracaso y más adelante a perder su vida y la de su esposa.

Está acompañado por John Cusack, al que escucharemos más que veremos, y además están respaldados por una serie de secundarios del mundo de la televisión entre los que cabe destacar a Don MacManus, como el director de orquesta, a Alex Winter, como el inquietante jefe de seguridad del evento (qué grandes momentos nos ofrece este personaje), la peculiar pareja formada por los amigos de Emma y Selznick, interpretados por Tamsin Egerton y Allen Leech, que dan un cierto toque cómico que relaja un poco la tensión, aunque son fundamentales para el desarrollo de la acción.

El piano es el coprotagonista de la película de Eugenio Mira

No podemos olvidar al enigmático Jack Taylor como Patrick Godureaux, un actor recurrente en la obra de Eugenio Mira, aunque en esta ocasión sólo aparece en varios retratos, y por supuesto al piano, al que al director utiliza como si fuera un intérprete más.

Nota: 9/10

Lo mejor: Eugenio Mira nos regala multitud de planos maestros: El plano secuencia de Selznick cuando entra en el teatro, el momento en que se corta un cuello y a continuación aparece el chelo, el primer asesinado, el plano secuencia del final que comienza en la fachada se vuelve cenital y nos lleva hacia unos personajes (que no voy a decir)...

Lo peor:El motivo por el que ocurre todo, aunque coherente se podría considerar un auténtico macguffin.

-Juan Martos-

Una repentina avalancha de restos espaciales provoca el accidente de un grupo de astronautas durante una de sus misiones de reconocimiento en la que la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) y el experimentado astronauta Matt Kowalski (George Clooney) quedan perdidos e incomunicados en la inmensidad espacial.

Gravity nos invita a viajar por el espacio con todas las consecuencias, la manera espectacular de rodar nos envuelve en una aventura tan alucinante como sobrecogedora, tanto la cámara móvil cómo la subjetiva consiguen que formemos parte de ese viaje y sintamos la angustia y desesperación y, sobre todo, la ingravidez. Viéndola es posible experimentar sensaciones como cuando flotamos sin rumbo en el agua y nos dejamos arrastrar por la corriente dejando la voluntad al capricho de las olas o como cuando buceamos puesto que flotas elevando tu cuerpo y permaneciendo en suspensión. Es una sensación maravillosa y que la vez impone mucho respeto porque al no ser tu medio dependes del oxígeno y tus movimientos se vuelven torpes, esas sensaciones se transmiten perfectamente al presenciar esta aventura visual.

Sandra Bullock y George Clooney son Stone y Kowalski en Gravity

La película está llena de metáforas: a pesar de estar perdidos a la deriva, la Tierra está presente todo el tiempo formando parte del reparto y mostrando la espectacular belleza del planeta azul a todos los que quieran disfrutarlo, ¡qué emocionante y preciosa es la Tierra vista desde fuera! Y, gracias a Alfonso Cuarón (Hijos de los hombres) somos capaces de disfrutarla puesto que nos regala unas escenas llenas de una realidad ficticia apasionante: es el sueño hecho realidad de todos aquellos niños que un día quisimos ser astronautas.

El magnífico trabajo de Sandra Bullock desde el comienzo hasta el final permite que la realidad del personaje nos envuelva y de esa forma nos sea transmitida su historia a la vez que se va desarrollando la trama.

Kowalski alivia la tensión de Gravity con sus monólogos espaciales

También la destreza y confianza de la interpretación de George Clooney nos hace comprender dos realidades muy diferentes: es la primera misión de la doctora Stone y la última de Matt Kowalski puesto que tras esta misión se jubilará.

Mientras que la doctora Stone es parca en palabras, parece no tener nada que decir, muestra una lucha interna y Kowalski no para de hablar en todo el tiempo aunque interesante, algunas veces no resulta ser tan importante lo que tiene que decir, es transparente y dice todo lo que piensa, así consigue que su personaje rebaje la tensión dando un toque de equilibrio. No se parecen en nada y sin embargo se necesitan, se sobreponen, se superan, utilizan el ingenio, nos transmiten que cuando todo parece estar perdido, incluso cuando no solo lo parece sino que así es, a lo mejor se puede intentar alguna cosa más, y suele merecer la pena ¿por qué no intentarlo entonces?

La doctora Stone lucha por sobrevivir

La película es una sinfonía de música y de color cuando precisamente en el espacio no hay ninguna de las dos cosas, aunque los antiguos griegos estuvieran empeñados en encontrar "la música de las esferas". Se cree que no hay sonido en el espacio a pesar de que intérpretes como Mike Olfield no se rindan y sigan soñando con el sonido de los planetas en su eterna travesía. El silencio del vacío es, precisamente, algo que el director quería transmitir a toda costa y por ello aunque algunas secuencias tengan música prestad atención a cuando abren las naves y se queda todo en el silencio más absoluto, con tan solo el sonido de admiración de los asistentes a la sala de cine.

Curiosidades: La idea de la película surgió cuando el director y su hijo Jonás empezaron a pensar sobre una historia de astronautas y transbordadores. Lo que parecía imposible se convirtió en un reto que se fue materializando poco a poco hasta dar paso a esta extraordinaria película que representa la superación en todos los sentidos mientras la madre Tierra, esa que nos dio la vida, es testigo de nuestros sueños. Probablemente la inspiración surgió en uno de esos mágicos momentos que compartieron padre e hijo haciendo disparar su imaginación.

La Tierra es una poderosa presencia y un personaje más en Gravity

Nota: 9,5

Lo mejor: la presencia del planeta azul y la magnífica interpretación de Sandra Bullock.

Lo peor: algunos sustos que te dejan el corazón encogido más si cabe.

Dedicatoria: No puedo evitar acordarme de mi abuelo Felipe que me enseñó a admirar el cielo nocturno en las mágicas noches de verano y ahora de alguna forma, él forma parte de ese cielo estrellado que tanto amó.

-Alicia Hernández-

Títulos de crédito de Los aurones

Ficha técnica

Creado por: Josep Lluis Viciana y producida por Antoni D’ocon(emitida por TVE)

País de origen: España

Año: 14 Nov. 1987 - 7 Mayo de 1988

Temporadas: 1 temporada + 1 película “La tribu de los aurones”

Episodios: 26

Duración: 30 minutos aprox.

Sinopsis

Rodeado de montañas se encuentra el pueblo de los Aurones, gente pacífica dedicada a la agricultura y que trabaja el oro para realizar herramientas de labranza y útiles de cocina. Los hermanos Tejo y Yuca, Iris y el tierno Poti-Poti unirán sus fuerzas para que el malvado rey Grog no puede apoderase del preciado metal y usarlo con fines militares.

Títulos de crédito

Letra de la canción

La noche duerme despierta el sol

rodeado de montañas
se encuentra el pueblo Aurón.

Funden el oro para fabricar

herramientas de labranza
y útiles de cocinar

En un oscuro castillo

Grog su oro quiere robar
pero con la ayuda de Gallofa
que todo lo hace fracasar

Tejo en mil aventuras

con monstruos tendrá que luchar
zas, zas, zas lanza rayos
y en fruta los transformará

Sobre las nubes vemos volar

a Iris y sus amigos
en un avión muy peculiar

Cruzando ríos bosque y mar

entrarán en la leyenda
vivirán su realidad

Tejo en mil aventuras

con monstruos tendrá que luchar
zas, zas, zas lanza rayos
y en fruta los transformará

Tejo lanzando sus rayos mágicos

Personajes

Tejo: Es un niño huérfano, hermano de Yuca y adoptado de bebés en el poblado Aurón. Tejo es pelirrojo y tiene los ojos azul oscuro. Adquiere el poder de transformar a sus enemigos en fruta al comer una perla mágica que le da la criatura llamada Bugarati. Para ello lanza rayos con sus manos.
Yuca:Hermano de Tejo también es adoptado de bebé por el poblado Aurón. Yuca es moreno y tiene los ojos negros. De los dos hermanos es el más listo y gracias a él escapan en varios episodios como en el capítulo de “Miedo” cuando la criatura se alimenta del miedo que las personas sienten al verla. Le encanta la aventura.
Poti-Poti: Tejo y Yuca descubren un huevo en una cueva e intentan abrirlo en el poblado pero no lo consiguen. Cuando el rey Grog intenta robar el oro, el huevo se abre y aparece el dragón verde. A Poti-Poti (nombre que le ponen en el primer episodio los habitantes del poblado) es un dragón al que le encanta comer y sobre todo dormir. Para defenderse de sus enemigos, Poti-Poti golpea siempre con su cabeza. Este descubrirá el amor en el último capítulo olvidándose de las penas al no tener nadie de su especie a su lado. Su frase más celebre es “Ñam Ñam Poti-Poti”

Poti-Poti, uno de los personajes más míticos de la serie

Iris: Iris aparece en el tercer capítulo, cuando una criatura acecha a los protagonistas. Estos llegan espantados a una cueva donde hay una joven congelada que descienda de una tribu ya extinguida llamada Iris. Gracias a sus poderes de vuelo escapan en multitud de aventuras y avisa siempre de los peligros del bosque.
Rey Grog o Groc:El rey Grog también llamado rey de las armas es un rey malvado, avaricioso y cruel. Su único sueño es el de conseguir el oro de los aurones para fines militares. Aunque por desgracia para él, sus sueños nunca llegarán a cumplirse. Es un buen estratega pero nunca llega la victoria gracias la ineptitud de sus secuaces y gracias también a la actuación de Tejo y sus amigos.
Gallofa: Secuaz de Grog es el personaje más característico de la serie. Soldado y ayudante del general Estroles siempre estropea todo debido a su poca inteligencia. Gallofa tiene una nariz prominente y siempre va con su armadura y su casco plateado. Aún así Gallofa nos sorprenderá en el último capítulo y hará sino más que nos enamoremos de este personaje.
Estroles: Es el inepto general del rey Grog. En varios sitios también ponen que es comandante y jefe del ejército. Tanto él como Gallofa nos harán reírnos en muchísimo momentos de la serie. Vestido siempre con su traje rojo hará lo posible por agradar a su rey e intentará que los planes salgan bien.
Maestro Jonc: Le encanta la naturaleza y es el sabio del poblado. Todos le preguntarán a él por una cosa u otra. Esto hará que sea el objetivo del rey Grog en muchísimas ocasiones.
Gran Druixot: Es el jefe de la tribu de los aurones. Todo lo consulta con el Maestro Jonc y es la autoridad. Es un gran jefe para los aurones ya que siempre esta celebrando fiestas al final de los episodios.
Rom: Inventor chiflado al que el rey Grog acude en una ocasión. Es un gran aviador que se hará amigo de Gallofa.
Pedro: Personaje secundario amigo de los protagonistas. Cuida un huerto.
Crom: Es un aurón que decidió usurpar el trono robando el collar mágico del rey de los aurones. Fue descubierto por los tres sabios, y huyó cayendo a una ciénaga donde se ahogó.
Al cabo de un tiempo surgió convertido en un horrible monstruo. Dotado de un gran poder para arrojar llamaradas de fuego, Crom decidió arrasar el poblado de los aurones. Los tres sabios aurones descubrieron que su poder residía en el collar que llevaba. Este se guardó en un cofre custodiado por las tres estatuas de los tres sabios.
Ramdal: Es el rey de una tribu cercana al poblado aurón. Acude a ver al jefe Druyxot con su hijo Jobo. Este se dedica a hacer el gamberro todo el día en el poblado molestando a la gente que vive allí. Jobo queda a cargo de Druitox y este a su vez le pide a Tejo y sus amigos que pasen tiempo con el chico y puede aprender disciplina. Jobo no quiere ayudar a nada y se escapa siendo capturado. Al final del capítulo aprenderá la lección.
Chiprel: Es un gran brujo con ansias de poder. Grog le pide que le ayude a capturar el oro de los aurones A cambio Grog, promete nombrarle rey de los brujos. Chiprel siempre lleva consigo su pincel mágico e intentará embrujar a quien se proponga. La mayoría de las veces acaba como fruta.
Ruadán: Ruadán es un cazador de guerreros convertido en estatua. Iris le hace revivir tras su llanto. Al final del capítulo Iris descubre que es su hermano y se produce un bonito reencuentro entre ellos.

Yuca, Tejo e Iris

Cosas a saber

La serie se rodó íntegramente en los platós de la empresa “Videocomunicación” en Barcelona. Estos platós desaparecieron hace ya tiempo.
Poca gente sabe que antes de la serie se estrenó en cines un montaje correspondiente a los primeros capítulos de la serie llamada “La tribu de los aurones”.
Los decorados se construían se rodaba en ellos y se destruían menos los que cogieron para la película.
Para recrear la vegetación el los decorados se utilizaron plantas y arbustos plantados en pequeñas macetas pero con el calor de los focos se morían en poco tiempo.
En ocasiones se usaron bonsáis (mayor coste) y sobre todo usaban muchísimas flores de una floristería de enfrente de los platós.
Se utilizó para los decorados el sistema de pantalla azul.
Las marionetas estaban articuladas y eran muy difícil realizar los movimientos. A veces para saludar tardaban hasta dos horas.
La ambientación estaba cuidada al máximo y en muchísimos capítulos las herramientas de labranza y demás eran de verdad.
En uno de los capítulos en los que se quemaba el bosque aurón cuando el director gritó “¡Corten!” aparecieron los bomberos, ya que había grandes columnas de humo en el plató.
Pensada para el público infantil narra el viaje de una tribu de origen celta. El nombre de aurones es una leve modificación de los “ausones” gente que vivía en Ullastret un pequeño municipio de Gerona.
Los aurones utilizaban el oro para sus herramientas ya que el hierro se oxidaba antes.

Opinión personal

Hoy, aplaudimos al gran Tim Burton por la película Frankenweenie, por cómo ha conseguido hacer reales a sus marionetas. En 1987 sin más que unas marionetas y unas pocas cámaras Los aurones se convirtieron en una de las mejores series españolas. Una filosofía de vida que sería genial poner en práctica hoy día. Poco puedo decir de esta serie, sólo que me encanta y que la nostalgia por ser de nuevo pequeño me llega a la cabeza por esta serie. Si no la habéis visto nunca os recomiendo que la veáis porque en los tiempos que eran hicieron de nada mucho.

-José Andrés López-

En Machete Killsel extraño héroe Machete (Danny Trejo) es reclutado por el presidente de los Estados Unidos Carlos Estévez (Charlie Sheen) para parar los pies a Mendez (Demian Bichir), un malvado villano mexicano con doble personalidad, que se ha hecho con una bomba nuclear que hará detonar en Washington si no se cumplen sus exigencias. El medio para dar con él será Cereza (Vanessa Hudgens), una prostituta con la que Mendez tiene una relación muy especial. Machete tendrá que lidiar también con El camaleón (Walton Goggins, Cuba Gooding Jr, Lady Gaga, Antonio Banderas), un escurridizo asesino que cambia continuamente de personalidad, que va tras su pista. Finalmente descubrirá que el auténtico cerebro de la organización del mal es Luther Voz (Mel Gibson), un excéntrico personaje que quiere que los humanos se aniquilen entre sí. Nuestro protagonista tendrá que lidiar también con Desdémona (Sofía Vergara), madre de Cerezay dueña del prostíbulo donde trabajaba ésta, que junto con sus chicas forma un temible e insaciable grupo de asesinas que intentarán acabar con Machete.

Machete Kills

Robert Rodríguez (dirección, música, fotografía, montaje y producción) no pretende en su última obra más que divertir a través de una típica historia rodada como una película de serie B, aunque no falta cierta crítica a las leyes antiinmigración de los Estados Unidos. Es por ello por lo que Machete Kills aspira a ser un divertido disparate. No podemos esperar un magnífico guión y argumento, ni impactantes interpretaciones, ni ninguno de los elementos que puedan conformar una película de “serie A”. Lo único que se puede pedir es que sea divertida, extravagante, absurda y excesiva. Y esto lo consigue en varios momentos del metraje, pero en la parte central de la película llegas a tener la sensación de que se está rellenando espacio, de que no hay tantas ideas para completar los 107 minutos que dura la historia.

Danny Trejo vuelve a ser Machete

Es por ello por lo que no es una película suficientemente satisfactoria. Y es una pena, porque no carece de momentos hilarantes, como el arranque, en el que vemos un tráiler de una supuesta tercera parte de Machete ambientada en el espacio, con una fotografía y maneras de serie B de los cincuenta, envuelto por un aire cutre de Star Wars que es muy divertido; con las escuetas sentencias de Machete, que nos recuerdan sospechosamente a las frases célebres de Chuck Norris; como la hilarante escena en la que un machete observa impertérrito al sheriff de frontera que le acaba de colgar; con Carlos Estévez, el excéntrico presidente de los Estados Unidos, que no es precisamente un dechado de virtudes: fuma, bebe, se acuesta con varias mujeres a la vez, etc.; con Desdémona, una exuberante Sofía Vergara, cargada con su sujetador metralleta y su mala leche, aunque el momento más divertido es cuando dispara un arma muy especial.

Sofía Vergara con su sujetador-ametralladora

De los malos malísimos destacan en varios momentos Méndez, con doble personalidad (el psicópata sin piedad y el amable luchador por los derechos humanos) que nos deja algún que otro momento divertido; Zaror (Marko Zaror), el duro sicario de Mendez y Luther del que Machete parece no poder librarse; Camaleón, en sus distintas formas, aunque me quedo sin duda con el personaje de Antonio Banderas, y la secuencia en la que al salir de un túnel de los que cruzan ilegalmente la frontera se encuentra con un grupo de sureños extremistas que lo vigilan. Mel Gibson como Luther y Lady Gaga como "La camaleón", no terminan de cuajar.

Lady Gaga como "La camaleón"

En definitiva, Machete Kills os gustará si os gustó el primer Machete y el cine de serie B; vamos si sois unos frikis, pero os quedará un regusto amargo por lo irregular del conjunto de la película.

Nota: 6,5/10

Lo mejor: La secuencia en la que el sheriff intenta ajusticiar a Machete ahorcándolo y el tráiler inicial.

Lo peor:Lady Gaga parece estar interpretando un videoclip y lo irregular de la narración que en algunos momentos provoca cierto sopor.

-Juan Martos-

Por cortesía de SensaCine, tuvimos ayer el enorme placer de visionar Vivir es fácil con los ojos cerrados en los Cines Dreams en un pase especial que contó con la presencia del director David Trueba y los intérpretes Javier Cámara y Natalia de Molina. La cinta llegará a las carteleras el próximo 31 de octubre.

Corre el año 1966, Antonio (Javier Cámara) es profesor en Albacete donde enseña inglés a sus alumnos por medio de las letras de canciones de los Beatles. Cuando descubre que John Lennon está en Almería rodando una película decide ir allí para conocerle. Inicia así un viaje en su Seat 850 por las carreteras de la época, donde recogerá a Belén (Natalia de Molina), una malagueña de veintiún años embarazada de tres meses, que ha huido de una institución en la que estaba encerrada hasta que diera luz, y a Juanjo (Francesc Colomer), madrileño de dieciséis años, que se ha marchado de casa harto de las exigencias de su padre, policía de profesión. Se inicia así un viaje iniciático, de descubrimiento y liberación de nuestros personajes que marcará el resto de sus vidas.

Vivir es fácil con los ojos cerrados

David Trueba escribe y dirige una película que si tiene un calificativo que la define es el de entrañable. Porque esta es la sensación que te producen sus tres personajes principales y Ramón (Ramón Fontseré), propietario de una tasca situada en la costa almeriense. Como también lo es la recreación que hace de la época el realizador, utilizando a varios “paisanos” de la zona como secundarios y figurantes, elección que dota a la cinta de una frescura y verosimilitud increíbles. El hotel “Cielo y Mar” con ese recepcionista del que Antonio dice que “hay que opositar para entenderlo” ante lo cerrado de su acento, los clientes del bar de Ramón, los niños que piden, los guardias civiles, el acomodador del cine, el bestia que la toma con el pobre Juanjo a cuenta de su pelo largo, muestran como si de un documental se tratara la pobreza cultural y económica de la España profunda de la época.

Javier Cámara, Natalia de Molina y Francesc Colomer
en el momento road movie de Vivir es fácil con los ojos cerrados

Pat Metheny y Charlie Haden colaboran por primera vez para realizar una banda sonora. El resultado es más que satisfactorio, acompañando sin estridencias el tono amable de la película. Es reseñable también destacar la canción “Strawberry Fields Forever”, compuesta por John Lennon en Almería, una de cuyas estrofas da título al film y que oiremos en un momento determinado para dar un sentido poético a la historia.

La realización de David Trueba es bastante clásica, con una fotografía a cargo de Daniel Vilaren tonos pasteles que nos retrotrae a los años sesenta. El guión es notable con multitud de situaciones que nos arrancarán una sonrisa.

Las interpretaciones son uno de los puntos más destacados. Javier Cámara está absolutamente genial. Interpreta a un profesor apasionado por la enseñanza, revolucionario para su época en la forma de afrontar las clases y el trato con sus alumnos. Pero ante todo es una buenísima persona que no juzga a los demás por sus errores pasados: deja que ellos encuentren su camino y siempre está dispuesto a ayudar sin interferir en sus deseos.

Ramón Fontseré y Javier Cámara en la tasca

Natalia de Molina, en su primer papel en el cine, es un auténtico descubrimiento. Interpreta con sobrada solvencia el papel de una chica modesta, embarazada de tres meses sin padre conocido, lo cual es una afrenta a la buena moral de la época. Excepcional en todo momento, trasmitiendo de manera muy acertada la timidez y humildad de Belén. Pero también la sutil picardía de una muchacha de veintiún años a medida que va conociendo más a Juanjo.

De Francesc Colomer cabe destacar su mirada, su rostro, que trasmite gran cantidad de emociones sin apenas hablar. Genial está Ramón Fontseré. Interpreta a un catalán afincado (por un caprichoso azar del destino) en un apartado rincón de la costa de Almería. Cínico, malhumorado, licenciado en la vida, cuida de su hijo con parálisis cerebral tras haber sido abandonado por su mujer italiana.

Muy recomendable película que no os debéis perder, sobre todo los que habéis vivido los finales de los sesenta y los setenta. Sin duda será una de las apuestas seguras de los próximos Goya.

En busca de John Lennon, ¡rumbo a Almería!

Nota: 8/10

Lo mejor: la recreación de la época, contar con actores no profesionales de los pueblos de la zona y las interpretaciones del trío protagonista y de Ramón Fontseré.

Lo peor: estaría bien que subtitularan “Strawberry Fields Forever” cuando suena al final de la película, ya que entender la letra potencia el final de la historia. Y ahí va un extra especial para melómanos:

-Juan Martos-

Aprovechando el reciente estreno de su secuela que aún no he podido ver, pero que está movilizando al personal, me he decidido a hablarles de esta película para animarles a movilizarse también y que pasen una tarde de cine.

Quizás vieron Insidious en su día y no la recuerdan bien: no hay problema aquí está este post para refrescarles la memoria, o quizás. simplemente no la vieron en su momento, pues aquí les hecho un anzuelillo, quizás ahora les apetezca o quizás no...

La película nos devuelve a los inicios del cine de terror, casas encantadas, posesiones y fantasmas, sinceramente creo que puedo hablar por la mayoría de los aficionados al cine de terror, cuando digo que no nos importa que se vuelva a estos orígenes si una película está bien llevada y la trama es buena, y es que como dice el refranero popular más: "vale malo conocido que bueno por conocer".

Algo así debió de pensar el director James Wan (Saw, Expediente Warren: The Conjuring,Sentencia de muerte) que después de dejarnos Saw, una de las películas que se ha convertido en fetiche para los amantes del género gore, da un giro de 180 grados y, sin siquiera un pequeño salpicón de sangre, esta vez juega con nosotros a través del misterio de la trama, la música efectista y nuestra propia curiosidad ¿he visto o no he visto algo? Lo que quizás pueda desembocar en alguno de ustedes en un anticipado (y bien digo anticipado) susto.

La película nos introduce en materia a través de Josh (Patrick Wilson, Hard Candy) y su mujer Renai (Rose Byrne,Los becarios) que acaban de mudarse a una enorme casa con sus tres hijos, intentando volver lo antes posible a la normalidad entre cajas y cambios. Pero un terrible incidente dará al traste con los planes de la familia.

Una noche Dalton, el hijo mayor, cree escuchar ruidos en el desván y, decidido, sube a explorar. La oscuridad no le permite ver, por lo que intenta encender la luz, para lo que se sube a una escalera, con tan mala suerte que se rompe uno de los peldaños y el niño se cae. Algo le parece ver a Dalton cuando está en el suelo que asustado comienza a gritar. Cuando oyen los gritos sus padres acuden veloces y lo observan detenidamente: aparentemente el niño está bien, con alguna magulladura y un pequeño chichón, pero bien, así que deciden ir a acostarlo.

A la mañana siguiente Dalton no se despierta, al llevarlo al médico este les comunica que Dalton ha entrado en coma a pesar de no presentar ninguna infección ni daño cerebral. Tres meses después, sin ningún cambio, Dalton vuelve a casa, y con su regreso comienzan a sucederse un montón de fenómenos extraños, ¿o quizás ya ocurrían antes y debido a la situación que vivían sus padres eran incapaces de verlos?

Con un padre agobiado cada vez más ausente, y una madre desesperada que duda de su fortaleza mental, deciden volver a mudarse y empezar de cero. Pero ¿será realmente esta la solución a sus problemas?

La película comienza con una buena narración presentándonos a los personajes y las situaciones que viven, con un buen ritmo y metiéndonos poco a poco en la película.

Crea una atmósfera de intriga y misterio que nos tiene enganchados la primera parte de ésta, pero luego, perdónenme o puse el listón muy alto o el ritmo baja apreciablemente y con ello la calidad del film, veremos tópicos mil y una vez utilizados, cosa que podría no importarnos de no ser porque no están manejados de la mejor forma. De hecho, aunque muchos han calificado el final de ingenioso, de giro extraordinario y de sorprendente creo que los seguidores del género estarán de acuerdo en que ya lo hemos visto más de una vez.

Siempre que veo esta película me surge una duda ¿discreto homenaje o descarada copia? La mayor influencia en la película de Wan es Poltergeist de Tobe Hooper, con la quetiene grandes similitudes como el personaje de la médium o la implicación de los padres en el ritual para intentar ayudar a Dalton. También un juego de luces finales parece una clara alusión al archiconocido momentazo de Carol Anne "no vayas a luz", de hecho parece que incluso estás esperando que aparezca la enanita con gafas en cualquier momento.

El infierno fantástico que podemos ver me recuerda bastante a la atmósfera empleada en la película Legend de Ridley Scott, sí, esa en la que sale por aquel entonces un imberbe Tom Cruise y, por último y quizás lo recuerden mejor que lo anterior, cuando sale el título de la película tanto al principio como al final de ésta, aparece en letras grandes y rojas y con un sonido estridente de violines, lo que nada más verlo me llevó a pensar en El exorcista de William Friedkin. Quizás paranoias o demasiadas películas vistas a estas alturas.

Nota: 6,5/10

Lo mejor:la película es entretenida, que para lo que nos tienen acostumbrados a los seguidores del cine de terror no es poco- La banda sonora es muy destacable y comentaba más arriba muy bien utilizada por los golpes de efecto. También destaca la caracterización de ciertos personajes, prácticamente realizada toda con maquillaje, ya que aunque no se aprecie en la película por lo bien que está rodada y montada, la película tiene un bajo presupuesto.

Lo peor:tiene momentos bastante absurdos que bajan mucho el ritmo, como la presencia de los parapsicólogos en la casa, muchos lo catalogan de gracioso, pero yo no lo veo... O la presencia de frases tan profundas como “el más allá es un mundo más allá del nuestro"... ¿¿¿WTF???

-Gina V.-

Mismo objetivo pero dos maneras totalmente diferentes de ver la vida. Rush cuenta una parte de la vida del piloto austriaco de Fórmula 1 Niki Lauda (Daniel Brühl) y su rivalidad con el también piloto británico James Hunt (Chris Hemsworth). No pueden ser más diferentes entre sí aunque luchan por lo mismo: por el título de campeón del mundo.

James Hunt es un loco de la velocidad al que no le importa ponerse al límite cada segundo aunque esté en riesgo su vida, sin embargo Niki Lauda siempre optimiza los recursos, minimiza el riesgo y saca el mayor provecho del coche y de sí mismo, en varias ocasiones le oímos decir que aunque es plenamente consciente del peligro de su profesión, arriesga ese 20% que conlleva la misma, pero ni un 1% más. De hecho el día que lo hace, a sabiendas de la dificultad, sufre un terrible accidente que le quema gran parte del cuerpo y rostro. Con gran fuerza de voluntad intenta salir adelante a pesar de la crudeza de lo acontecido.

Daniel Brühl como Niki Lauda en Rush

La película, a pesar de que a veces llega a resultar estresante, es muy emocionante y deja buen sabor de boca puesto que vemos a un luchador solitario en quien casi nadie cree al principio, que en general no cae bien a la gente pero que se abre camino con ahínco y se ve que, en lo que se empeña, lo pelea y lo consigue. En el caso de James Hunt vemos cómo aprovecha sus capacidades de otra forma, vive cada momento como si fuera el último, derrocha simpatía y le llueven los admiradores, casi siempre está contento y vive al máximo rodeado de gente que le adora.

Chris Hemsworth es James Hunt en Rush

A pesar de su enfrentamiento son capaces de apreciarse el uno al otro a la vez que se enfrentan continuamente, digamos que es como su motivación una especie de "no puedo vivir sin ti pero contigo tampoco".

Cuando Niki Lauda sufre el grave accidente, tres pilotos no dudan en intentar ayudarle para sacarle del coche en el que queda atrapado y que estaba quemándole. Niki a pesar de tener una mente fría y calculadora quedará eternamente agradecido a sus salvadores (rivales minutos antes).

Recreación del accidente de Niki Lauda en Rush

El accidente estuvo a punto de quitarle la vida hasta el punto de que, malhumorado como casi siempre, en su casi-lecho de muerte del hospital, saca fuerzas de no se sabe dónde y manda a freír espárragos al cura que se disponía a darle la extremaunción. Su mujer, interpretada por Alexandra María Lara muestra en cada momento con sus enormes ojos llenos de expresividad el sacrificio vivido por el entorno de los pilotos de las escuderías, la representación del precio de esta profesión tan difícil, llena de altibajos, sinsabores y sobrecogimientos, por una parte la fama y las alegrías y por otra el peligro que está "a la vuelta de la curva".

El director Ron Howard sabe cubrir el ámbito trepidante de la carrera y la velocidad a la vez que construye unos personajes a los que se les coge cariño y a los que entiendes perfectamente aunque cada uno tenga su forma de ser, hasta el punto que el espectador llega a tener una lucha interna sin saber a cual prefiere, pero… sólo puede ganar uno.

“Un sabio saca más de sus enemigos que un necio de sus amigos”

Lo mejor: La sensación de velocidad, saben reflejar la emoción de las carreras como si estuviera pasando en directo, la música y la fotografía te transporta a los años 70 y sin darte cuenta te sientes como si estuvieras dentro de la carrera. Las imágenes reales de los pilotos al final de la película, es muy emocionante, además refleja la excelente interpretación de la pareja antagónica (Brühl - Hemsworth) que sabe transmitir una química especial mezcla de rivalidad-admiración.

Lo peor:El accidente sufrido por Lauda, parece real de lo bien hecho que está, da muchísima angustia. Cuando James Hunt vomita cada dos por tres, aunque forma parte del desarrollo y se entiende por estar justificado es un poco asqueroso.

Dedicatoria: Me gustaría hacer mención a la piloto de Fórmula 1, María de Villota, recientemente fallecida debido a las lesiones provocadas por un terrible accidente hace más de una año. Ella también luchó por un sueño hasta el último día y, consciente del peligro, arriesgó por verlo cumplido, lástima que nos dejara tan pronto. Siempre será un símbolo de lucha y dedicación difícil de olvidar.

-Alicia Hernández Luján-

Ficha técnica

Compañía de producción: Nippon Animation emitida por TV Asashi

País de origen: Japón

Año: 7 de junio de 1977 a 6 de diciembre de 1977

Temporadas: 1 temporada

Episodios: 26 episodios

Duración: 23 minutos aprox.

Sinopsis

Cien años después de la proclamación de independencia de EE. UU., al este del que hoy es el estado de California viven dos ositos llamados Jacky y Nuca con su mama osa Grizzlie. Tras la trágica muerte de esta última, Senda y su padre se harán cargo de los ositos hasta su madurez.

Personajes

Senda: Es el protagonista de la serie junto al osito Jacky. Es un niño indio valiente como nadie que no teme a nada. Senda no sabe leer ni escribir y durante la serie aprenderá a ello gracias a a Helen (sirvienta de Olga). Siempre lleva camiseta roja y pantalón azul y una cinta en la cabeza con triángulos amarillos y verdes. Senda se encarga de los osos y les enseña todo lo que sabe salvándoles la vida en más de una ocasión.
Jacky: Siempre queriendo aprender es un osezno de color marrón, huérfano por la trágica muerte de su madre. Siempre se mete en problemas y es muy travieso y juguetón .Senda y él se conocen cuando intenta quitarle la pluma que Senda lleva en la cabeza. Jacky lleva un collar amarillo para poder verle en el bosque aunque por lo travieso que es lo pierde en una de sus aventuras. Jacky vive mil aventuras desde pelear con un mapache, o con un gran oso pardo hasta beber cerveza. Lo más importante para él es su hermana Nuca a la que ayudará en todo momento defendiéndola de todo y todos.
Nuca: Nuca tiene un papel secundario en la serie. Al principio de la serie nos informan que los dos osos son gemelos aunque Nuca al contrario que Jacky es blanca como la nieve. Al contrario que su hermano Nunca es muy tímido y casi siempre se comporta con cobardía. Nuca de principio a fin de que conoce a Senda lleva en su cuello un collar de color naranja y es la preferida de Olga.

La familia al completo: Jacky, Nuca y Grizzlie, su mamá

Grizzlie: Es la madre de Jacky y Nuca y muere trágicamente en el capítulo 7 por un disparo. Muere cuando va a atacar al señor Forrester y tienen que dispararla. Como buena madre Grizzlie enseña en muchos momentos a sus hijos a defenderse y comer por ellos mismos. Les enseña que tienen que tener cuidado con coyotes y zorros y si se encontraran con ellos deberían subir corriendo a los árboles. Lesenseña a que deben de ser fuertes y les enseña le ley del bosque…. El más fuerte siempre sobrevivirá. Grizzlie es la reina del monte Tallac y la leyenda cuenta que quien la mate sufrirá grandes desgracias.
Kellian: Es el padre de Senda. Lleva una cinta de color roja, pantalones verdes y un colgante en el que parece que pudiera llevar una foto. El caballo de Kellian se llama Aparusa. No quiso seguir la ley de su tribu y prefirió vivir como los hombres blancos. Vive con su hijo en una cabaña del Señor Forrester. Trabaja gratis en el rancho por el queme del pabellón de caza y su casa. Para la tribu de Kellian “Dentro del oso está el Dios verdadero y aunque el oso muera el Dios siempre estará ahí”
Tío Dimas: Le llaman tío pero no es el tío de Senda. Buscador de oro siempre lleva su sombrero azul, gafas, pañuelo rojo y su característica barba blanca. El tío Dimas es muy bueno con los osos y con Senda llegándole a comprar con el poco oro que encuentra una pizarra para que pueda aprender a leer y escribir.

Senda, tío Dimas y los dos ositos

Olga: Es la amiga de Senda e hija del Señor Forrester. Tiene los ojos azules es rubia y muy simpática. Vive en la casa grande en el rancho de su padre. Lleva siempre dos lazos azules, un peto amarillo y un sombrero a juego y siempre va en su caballo marrón claro y con su perro amarillo Boggie. Estudia ortografía francesa y ayuda en todo momento a Jacky y Nuca dándoles muchas veces caramelos.
Señor y Señora Forrester: Es el dueño del rancho a la otra orilla del lago, con mucho ganado y hombres para cuidarlos. Lo mas característico de él es su enorme bigote y su gran cariño a su hija Olga. La señora Forrester no sale mucho pero cuando sale quiere mucho a su hija.
Helen: Es la sirvienta del Señor Forrester .Tiene miedo a los osos hasta que se acostumbre a ellos y los cuida. Enseña a los chicos a leer y escribir. Y en varias ocasiones nos informa que es mala cocinera y que no sabe nadar.
Bonami: Es un cazador furtivo que va detrás de los osos para poder venderlos al circo. Siempre va con su gorro de mapache de color amarillo. Prepotente y astuto coloca cepos en todo el bosque pero el Tío Dimas se los cierra todos para que no pueda pasarles nada. Ayuda a Senda cuando los osos se pierden en Sacramento pero todo es una farsa ya que intentan quema la cabaña donde viven Kellian y su padre para capturar a los ositos, echándoles la culpa a los osos.
Pedro y Paco sus ayudantes (roban leche, cuidan los rebaños del señor Forrester y tienen un perro y un carnero) haciendo todo lo que les manda Bonani.
Cuck: Hombre de Forrester, arremete contra Kellian y le obliga a dejar a los osos al cuidado de los ayudantes de Bonami ya que dice que por culpa de los osos las vacas no dan leche.

Senda,Kellian junto a Jacky y Nuca

Cosas a saber

Senda pone el nombre de Jacky al oso porque su abuelo se llamaba así. Su antepasado era el jefe de la tribu de los Totoc.
En varias ocasiones Kellian el padre de Senda le dice que los animales del bosque no llegarán nunca a ser sus amigos aunque al final de la serie este se da cuenta que a veces no es así la cosa.
La serie nos enseña multitud de cosas para aprender como cuanto dura la hibernación de los osos y el por qué de ello, hablar de varios libros como el último que se ha leído Olga ("Hansel y Gretel") o cuando se inauguró la locomotora de vapor.
Senda se relaciona con los osos mediante lenguaje de signos informándonos que este lenguaje se hace desde hace muchísimo en las 700 tribus que hay.
En la serie aparecen varios símbolos del cristianismo como cruces o rezos y varios comentarios machistas que nos hacen comprender qué pasaba en esos tiempos.
Nos habla también del mimetismo que es la forma en que los osos, en este caso, copian todo lo que hace el hombre desde comer en la mesa hasta ponerse de pie.
Al ver la serie nos acordaremos de la serie Heidi ya que muchas de las voces de los protagonistas son de Clara, La señorita Rotenmeller, el señor Seseman….
La serie se basa en un relato de Ernest Thompson Seton de 1904, "Monarch, the Big Bear of Tallach" (Monarca, el gran oso de Tallac).

Jacky y Nuca juntos

Opinión personal

Hacía muchísimo tiempo que no veía esta serie y ha sido muy gratificante. Al verla mi niñez ha pasado lentamente por mi cabeza recordándome que fui muy feliz de pequeño. Esta serie me enseñó a cuidar la naturaleza, a cuidar también a mis amigos, a amar a los animales y sobre todo a ser buena persona. En varios momentos me he emocionado porque es genial ver algo aparentemente tan fácil y descubrir que te cuenta tantas cosas.

Si no lo la habéis visto, es una de las pocas series que nos enseñaron la muerte de un familiar y cómo es la vida de difícil no acabando todo siempre en un final feliz.

-José Andrés López-

¡Queremos llevarte gratis al cine!

Por cortesía del portal SensaCine y de los cines Cinesa os ofrecemos la posibilidad de conseguir 5 entradas dobles que sorteamos para acudir al preestreno de La huida.

Concursar es muy sencillo, solo tienes que hacerte seguidor del blog en el menú de la izquierda y contestar a una sencilla pregunta, ¿cuál es tu persecución cinematográfica favorita y por qué?

Recordad que es esencial que contestéis en este post o al email raquel.hernandez27@gmail.com indicando vuestro nombre y apellidos y una dirección de correo electrónico.

También podéis concursar a través de Twitter utilizando el hashtag #QuieroCinePreestreno y @RaqHdez y @SensaCine.

Los ganadores de las entradas se publicarán el 11 de noviembre y recibirán un email de confirmación para acudir al preestreno del jueves 14 de noviembre a las 20:30 en los Cines Cinesa Príncipe Pío de Madrid.

Os dejamos el tráiler para que vayáis abriendo boca:

¡Suerte y nos vemos en el cine!

PREESTRENO Kon-Tiki, un alucinante viaje para el cine noruego

CRÍTICA Dolor y dinero

CRÍTICA La gran familia española

CRÍTICA Jobs

ESE OTRO CINE: Hierro 3

CONCURSO Preestreno de Turbo

CRÍTICA Las brujas de Zugarramurdi

ARTE EN CORTO Con X de Mixta

SERIES DE AYER Y HOY Los Picapiedra

CONCURSO El camino de vuelta

SANGRE, VÍSCERAS Y OTRAS PORQUERÍAS Atrocious

PREESTRENO Grand Piano

CRÍTICA Gravity

SERIES DE AYER Y HOY Los aurones

VISTO EN SITGES 2013: Machete Kills

PREESTRENO Vivir es fácil con los ojos cerrados

SANGRE, VÍSCERAS Y OTRAS PORQUERÍAS Insidious

CRÍTICA Rush

SERIES DE AYER Y HOY El bosque de Tallac

CONCURSO Preestreno La huida